Fueradcarta En busca de un sentido. Patricia Mateo y José Luis López Moral

 

Fueradcarta
“En busca de un sentido”.

Presentación

Fueradcarta es un proyecto de Arte Contemporáneo, para dar a conocer toda la parte que nuestra obra tiene en común. Queremos hacer de esta experiencia un laboratorio de ideas entorno al Arte Contemporáneo.

Propuesta

Fueradcarta está formado por Patricia Mateo pintora y José Luis López Moral fotógrafo.

“En busca de un sentido” es una propuesta para la galería  Fúcares, compuesta por obra de pequeño y gran formato en el que se mezclan distintas técnicas como el óleo, la fotografía y la transferencia fotográfica. Se trata de obras sobre distintos soportes como el papel o la madera. Se trata de un proceso de investigación en torno a la búsqueda de un sentido de los dos artistas en su paso por la existencia.

EQUIPAJES

Para el surrealismo es inolvidable el autor tricéfalo llamado Dalí-Lorca-Buñuel. José-Miguel Ullán. El surrealismo también existe. El País, 28 de octubre de

1994, p. 38

Sirvan estas palabras de José-Miguel Ullán, no sólo como ejemplo para ilustrar un momento histórico del arte, sino también para saber que la colaboración entre artistas es una fuente, que no ha cesado de manar, desde Altamira hasta hoy. En el arte conceptual, a partir de finales de los años 60 del pasado siglo aparecen obras de trabajo colectivo en las que los creadores, muy lejos de plantearse su trabajo como una forma de producción, hacen énfasis en hacer entenderlo más bien como un camino esencial que anule el sentido de la individualidad inherente a la obra de arte. Es de esta manera como muchos artistas, tal es el caso de Joseph Kosuth, Mel Ramsden o Ian Burn, encuentran el terreno propicio para expresarse; un lugar donde el yo prácticamente desaparece. El grupo Art & Language, creado en 1967 en el Reino Unido, surge a raíz de la revista del mismo nombre nacida el año anterior, como un diálogo de trabajo entre Michel Baldwin, Terry Atkinson, David Bainbridge y Harold Hurrell. Llegó a tener más de cincuenta miembros y es imposible tanto conocer con exactitud quienes colaboraron en cada número, como verificar las contribuciones de cada uno. Y es precisamente el editor estadounidense de la revista, el ya citado Kosuth, quien mejor enarbola la bandera contra la personalidad individual que conlleva la pintura, con la firma como elemento diferenciador.

En este sentido, la pareja formada por Marina Abramovic y Ulay, bajo el colectivo The Other (El Otro), es el caso más evidente y conocido de copartición extrema en los años setenta y ochenta. Asumieron un rol de vida como si fueran gemelos. La ósmosis, más que simbiosis, llegó a tal punto en alguna de sus perfomances, que alcanzaron el estado de inconsciencia después de haber agotado el oxígeno de los pulmones tras respirar el aire que el otro expiraba. Era como apropiarse de la vida de la otra persona y exterminarla.

Sería interminable la lista de los artistas conceptuales que han trabajado y trabajan en conjunto, pero no puedo dejar de mencionar al grupo Superflex, La Boyle Family, The Harrison Studio (Helen Mayer Harrison and Newton Harrison), y Anne y Patrick Poirier, que realizaron trabajos referentes tanto al ecologismo, al paisaje urbano o rural, e incluso a la arqueología. En España destacan el grupo ZAJ (Juan Hidalgo, Esther Ferrer y Walter Marchetti), así como Concha Jerez y José Iges, con creaciones hechas a partir de textos, música y voz.

En el campo de la pintura u otras artes, las obras al alimón de Equipo Crónica, de Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat, Mark Rotko y el arquitecto Philip Johnson, la cantante Börjk y el multidisciplinar Mattew Barney, la fotógrafa Inge Morath y el ilustrador Saul Steinberg, el fotógrafo Philippe Halsman y Salvador Dalí, los fotógrafos Pierre et Gilles, Pere Formiguera y Joan Fontcuberta, y más recientemente, Elena Cabello y Ana Carceller que forman el dúo Cabello/Carceller.

En todos y cada uno de los casos enunciados anteriormente es básico que haya unos intereses estéticos comunes que faciliten una dinámica del trabajo. Goethe, en su novela de 1809 titulada Las afinidades electivas (Die Wahlverwandtschaften), describe la necesidad de incorporar el Otro en el Yo. Los personajes se unen a la perfección; cada uno es parte de su complemento. Es la reivindicación del Yo a través del Otro. Sin embargo, los derroteros enfermizos en los personajes de la narración del alemán, nada tienen que ver con la feliz creación a la que llegan nuestros artistas, Patricia y José Luis.

José Luis López Moral llega a la esencia del clasicismo paisajístico desde una aplicación de iPhone, el iOS. Con este sistema operativo plasma imágenes poéticas desde la absoluta veracidad de un paisaje desierto. En sus obras, surrealidad y romanticismo brotan de la verdad desnuda. El pictorialismo se desborda en la visión del artista del siglo XXI. Su concepción del proceso artístico no es fruto de la espontaneidad ni el momento, sino de una elaboradísima creación que se inicia en la caza de la materia natural, y acaba en la abstracción de un píxel; una disciplina personalísima donde tecnología y artesanía caminan juntas, se debaten, y dan lo mejor de sí del mismo modo que mezcla la forma natural pura con elaboradas referencias artísticas. No es pues casualidad, que las ramas de un olmo castellano se imbriquen en nuestra retina con las de un roble británico, o que el espejo de la luz sobre una laguna manchega nos evoque las riberas del Hudson. No es tanto el homenaje a Turner, Friedrich, o Cole, sino el canto conjunto, e inapelable, del entorno natural al que López Moral se une a través de los siglos y la Historia del Arte. Y lo hace a su manera y en su tiempo, con tecnología, redes sociales y conciencia ecológica de su entorno natal. El resultado es, como en los maestros que le precedieron, la sublimación de un paisaje que más que evocado, es retratado.

Las naturalezas de López Moral, invitan al paseo romántico, al silogismo filosófico, al placer melancólico de los paraísos perdidos. No engañan, aunque generen sueños; no sufren, aunque lloren en silencio el peso del olvido. La metáfora del paisaje tan evidente en él, adquiere una especialísima expresión en la metonimia, siendo capaz de desvelar la perfecta sencillez de lo pequeño: -una raíz, un ramajo- alcanzando en el resultado el magnificente protagonismo de todo un bosque de la pintura inglesa o americana del XIX.

El paso de las estaciones sobre los campos, el de los siglos sobre las piedras, o el instante fugaz de un brote recién formado, duermen inmutables, e imperecederamente bellos en sus propuestas. Y nos llegan adentro desde el lejano recuerdo de un dulce canto, quedándose para siempre en nuestros ojos, haciéndose un hueco en esos complicados mecanismos que conforman el placer estético.

Sus fotografías son forma y luz, pero sobre todo, y por encima de todo, textura. Es el reflejo fiel de la piel de las cosas y del efecto del tiempo y la vida sobre ellas; lo que conforma sus naturalezas que pudieran parecen muertas pero que, desde lo inane, encierran siempre la promesa del renacer.

Sus imágenes son amables, no por presentarse vestidas de otros ropajes sino precisamente por mostrarse en la pureza de la materia y la vida. La rudeza de lo agreste se dulcifica con esa luz tan suya que surge entre la neblina y el polvo, desde esos celajes de pergamino. Nos adentra en un sueño, propio o ajeno, que nos invita al recogimiento, y a la reflexión.

Todo se nos presenta desde el silencio contundente de esos mundos no perturbados por el hombre, a esos rincones, tan ignotos como cercanos, que no necesitan de nosotros para ser bellos.

Patricia Mateo construye desde el óleo un estilo cuya principal fuente de inspiración es el arte mismo, la Historia del Arte no sólo vista, o revisitada, sino participada desde nuestra vida cotidiana, no exenta de humor –o de ironía-, algo tal vez imprescindible para soportar los rigores del estrés de nuestra cotidianidad. Tampoco falta un punto de critica, posiblemente también necesaria para mantener en el mundo que vivimos cierta coherencia moral. Así nacen sus remakes de las grandes obras del Renacimiento, el Barroco, la Pintura Flamenca, el Clasicismo francés, o el Realismo estadounidense. Sus intervenciones son como pequeños cambios que no alteran la estética pero revolucionan la ética; un masaje al mensaje pictórico de tiempos pasados. Patricia Mateo re-nueva, más que re-hace iconos plásticos, sin pretensiones grandilocuentes. No son grandes frases las que hay en sus cuadros; a veces es suficiente con una interjección para hacernos a veces sonreír, o para conducirnos a reflexionar siempre.

En su tratamiento de la obra de los maestros de la pintura, Patricia Mateo sabe unir el respeto por el pasado y la nueva propuesta e innovación; hace compatible la fidelidad a la imagen original con el mensaje personal, y consigue una sorprendente conformidad entre las técnicas antiguas y las contemporáneas. En muchas de sus obras se separa dulcemente del icono artístico de referencia, no sólo a través de la incorporación en el diálogo de la obra de objetos cotidianos contemporáneos, sino mucho más allá, de modo que sin desacralizar la obra, nos la acerca.

En esta muestra Patricia pinta al óleo con finas veladuras -como los primitivos flamencos- sobre el papel fotográfico de José Luis, incorporando elementos, personajes, -más bien iconos- de Brueghel, Patinir, o El Bosco. Así las raíces, las ramas o los líquenes, cobran ánima proyectando un sueño surrealista de insectos imposibles, de máquinas voladoras que trascienden el tiempo y el espacio, pero nunca el Arte del que ineludiblemente son sus criaturas, sus hijos predilectos. La yuxtaposición de uno y otro mundo, el de Patricia y el de José Luis, se revelan ante el espectador como un factor de cambio que genera una lectura distinta, o más bien miles de lecturas, según la retina y el intelecto de quien lo contemple.

La intervención pictórica de Mateo trasciende épocas para traer al día de hoy magistrales detalles olvidados, átomos artísticos… eso de lo que hablaba Gilles Deleuze, de extrapolar no sólo dimensiones, sino intensidades. Es un paso de gigante en su evolución. La metonimia también funciona, y de qué manera, en el trabajo de Patricia Mateo en estas obras. La extracción e interpolación de un solo elemento o de un motivo de las obras remakeadas le convierte en icono en sí mismo, en total representación de todo el cuadro, el artista, o incluso el movimiento al que se referencia. De esta forma, basta el embudo para aludir a toda la Extracción de la piedra de la locura, ofreciendo un recorrido completo por el sueño de El Bosco; de esta manera es suficiente el vestidito blanco de los recortables o catálogos de venta por correo americanos, para traernos a los ojos toda la retórica del arte comercial de mediados del siglo pasado.

Lo de Patricia es una apuesta de voluntad artística y empeño en sí misma; la confianza en la vocación; algo muy de reconocer en un momento, como el que vivimos, especialmente difícil para cualquier artista y más aun, si ese artista es mujer.

Patricia y José Luis se conocían y admiraban sus obras recíprocamente, desde sus diferentes técnicas, estéticas y perspectivas. Podían haberse quedado en eso, pero empezaron a colaborar. A través de Fueradcarta realizan un experimento artístico, un laboratorio de ideas –como ellos dicen, hecho realidad. Con esta iniciativa buscan el fomento del coleccionismo artístico entre el gran público a través de pequeños pero cuidados álbumes y cuadernos que supone este proyecto editorial conjunto que también vende on line, adaptándose a los tiempos y las posibilidades económicas y de espacio de cientos de potenciales consumidores de arte, entendiendo por fin, al coleccionista como lo que es hoy en día.

Reincidiendo en lo exponencial, son dos personalidades, cuatro manos, y tal vez más de ocho recursos tecnológicos e intelectuales distintos, en cuya amalgama hay cabida, incluso en estos tiempos que corren, para el atrevimiento, la investigación, y la innovación.

No obstante, la improvisación o el de cualquier manera, están muy lejos de este espacio íntimo y creativo en que López Moral y Mateo conciben su obra, tanto en la forma como en el fondo. Bajo todo ello destaca el poso de los dos artistas, que como el de un buen vino; se conforman los sucesivos sedimentos que les acompañan: el de la experiencia vital, el del amor al Arte, el del talento, y el conocimiento de su profesión.

Las obras de esta muestra sirven de pescante hacia el camino a esos otros mundos, que mejor que estar en este, habitan en nuestra mente, en nuestros sueños y en nuestra memoria. Equipajes necesarios que nos conducen a una realidad metaficticia, donde todo es lo que parece, y mucho más aún.

Jesús Cámara 

Fueradcarta
“In Search of Meaning.”
 

Fueradcarta is a Contemporary Art project that explores everything that our work has in common. We want this experience to simulate a laboratory of ideas around Contemporary Art.

Proposal

Fueradcarta is formed by the painter Patricia Mateo and the photographer José Luis López Moral.

“In Search of Meaning” has been curated for the Fucares gallery, and is composed of small and large format work mixing different techniques such as oil painting, photography, and photographic transfers. These pieces have been created on different materials such as paper or wood. The show represents an exploration of our passage of time throughout existence.
 

Three artists were fundamental to the development of surrealism: Dalí -Lorca-Buñuel. José-Miguel Ullán. Surrealism also exists. El País, 28 October,

1994, p. 38

José-Miguel Ullán words serve as an example that not only illustrates a historical moment in art, but also demonstrates that collaboration between artists is a spring that has not ceased to flow, from Altamira to today. In conceptual art, from the end of the 1960s, collective works began to appear in which the creators, far from considering their work as a form of production, sought for them to be understood rather as an essential path that eliminates the sense of individuality inherent in the works of art. It is in this way that many artists such as Joseph Kosuth, Mel Ramsden or Ian Burn found a space in which to express themselves; a place where the self practically disappears. The Art & Language group, created in 1967 in the United Kingdom,  was launched by the magazine of the same name the year before, as a working dialogue between Michel Baldwin, Terry Atkinson, David Bainbridge, and Harold Hurrell. With more than fifty members, it is impossible to know exactly who collaborated on each piece, or which contributions were made by whom. The American editor of the magazine, the aforementioned Kosuth, took a firm stance against the concept of individual personality typically associated with art, whereby the artist’s signature is am element that differentiates one piece from another.

In this sense, the couple, Marina Abramovic and Ulay, under the collective named The Other, is the most evident and well-known case of extreme collaboration in the seventies and eighties. They acted as if they were twins. Their osmosis, rather than symbiosis, reached such an extent in one of their performances, that they both fell unconscious, having exhausted the oxygen in their lungs by each breathing the air that the other exhaled. It was like the possession and extermination of another person’s life.

There is no end to the list of conceptual artists who have worked or now work together, but I cannot fail to mention the Superflex group, the Boyle Family, the Harrison Studio (Helen Mayer Harrison and Newton Harrison), and Anne and Patrick Poirier, who made works referring to environmentalism, urban or rural landscapes, and even archaeology. Spain is notably home to the ZAJ group (Juan Hidalgo, Esther Ferrer and Walter Marchetti), as well as Concha Jerez and José Iges), with creations comprising texts, music and voice.

In the field of painting or the other arts, the works at the core of Equipo Crónica by Andy Warhol and Jean-Michel Basquiat, Mark Rothko and the architect Philip Johnson, the singer Björk and the multidisciplinary artist Mattew Barney, the photographer Inge Morath and the illustrator Saul Steinberg, the photographer Philippe Halsman and Salvador Dalí, the photographers Pierre et Gilles, Pere Formiguera and Joan Fontcuberta, and more recently, Elena Cabello and Ana Carceller who form the duo Cabello/Carceller.

In each of the cases listed above, it is clear that there are common aesthetic interests that facilitate a certain work dynamic. Goethe, in his 1809 novel entitled The Elective Affinities (Die Wahlverwandtschaften), describes the need to incorporate the Other into the Self. The characters are united to perfection; each is part of its complement. It is the revindication of the Self through the Other. However, the unhealthy trajectories in the characters of the German narrative have nothing to do with the happy creations of our artists, Patricia and José Luis.

José Luis López Moral encapsulates the essence of landscape classicism using an iPhone application, iOS. He uses this operating system to record poetic images from the absolute veracity of a desert landscape. In his works, surrealism and romanticism spring from naked truth. Pictorialism overflows in the artist’s vision of the 21st century. His conception of the artistic process is not the result of spontaneity or the moment, but of an elaborate creation that begins in the hunt for natural matter, and ends in the abstraction of a pixel; a personal discipline where technology and craftsmanship go hand-in-hand, debate, and give their best; in the same way that he mixes the pure natural form with elaborate artistic references. It is no coincidence, then, that the branches of a Castilian elm are imbued in our retina with those of a British oak, or that the reflections of light on a lagoon in La Mancha evokes the banks of the Hudson. It is not so much an homage to Turner, Friedrich, or Cole, but the joint, indisputable praise of the natural environment which Lopez Moral side with through the centuries and the History of Art. And he does it his way and in his time, integrating technology, social networks and an ecological awareness of his home environment. The result is, as in the case of masters who preceded him, the sublimation of a landscape that is more than evoked – it is portrayed.

López Moral’s natural scenes inspire a romantic walk, philosophical reasoning, and the melancholic pleasure of lost paradises. They do not deceive, despite generating dreams; they do not suffer, despite lamenting in silence the weight of oblivion. The metaphor of the landscape so evident in his work acquires a special metonymic expression, capable of revealing the perfect simplicity of small things -a root or a branch- given the magnificent prominence of an entire forest in nineteenth-century English or American painting.

The passing of the seasons over the fields, that of the centuries over the stones, or the fleeting instant of a newly formed bud, sleep – unchanged and eternally beautiful. And they move us like the distant memory of a sweet song, staying forever in our eyes, carving out a niche in those complicated mechanisms that make up aesthetic pleasure.

His photographs are form and light, but above all, and most of all, texture. It is the faithful reflection of the skin and of the effect of time and life on them; what conforms their natures that may seem dead yet still hold the potential for rebirth.

His images are appealing, not because they present themselves as something else but precisely for showing themselves in the purity of matter and life. The harshness of the wild is softened with that unique light that arises between the haze and the dust, from the parchment-like heavens. It takes us into a dream, our own or someone else’s, which invites us to remember and reflect.

Everything is presented to us from the powerful silence of those undisturbed worlds to those places – as unknown as they are familiar – that do not need us to be beautiful.

Patricia Mateo uses oil painting to convey a style whose main source of inspiration is art itself: the History of Art not only seen, or revisited, but participated in by our daily life – not without humour or irony, perhaps essential elements in withstanding the stress of our daily lives. There is also a critical element, possibly also necessary to maintain a certain moral coherence in the world in which we live. This is the context underlying her remakes of the great works of the Renaissance, Baroque, Flemish Painting, French Classicism, or American Realism. Her interventions are like small changes that do not alter aesthetics but revolutionise ethics; a massaging of the pictorial message of past times. Patricia Mateo re-news, more than re-makes iconic works of art, without grandiose pretensions. Her painting don’t necessarily contain weighty phrases; sometimes it is sufficient to make us smile, but they are always designed to make us think.

In her handling of the works of the masters, Patricia Mateo knows how to combine respect for the past with new proposals and innovations; she remains faithful to the original image whilst making this compatible with her personal message, achieving a surprising conformity between ancient and contemporary techniques. In many of her works she separates herself delicately from the artistic icon in question, not only by incorporating contemporary everyday objects in the works, but also by bringing us into much closer proximity to the works, whilst remaining respectful of its original essence.

In this exhibition, Patricia uses oils to create fine veils -like the primitive Dutch artists- on Jose Luis’ photographic paper, incorporating elements, characters – or rather icons- from Brueghel, Patinir, or Bosch. Thus roots, branches, or lichens come to life, projecting a surreal dreamscape of impossible insects, of flying machines that transcend both time and space, but never the Art whose offspring they inescapably remain – their favourite children. The juxtaposition of the two worlds, that of Patricia and Jose Luis, constitutes a change that gives rise to a different reading by the viewer, or rather thousands of readings, depending on the retina and the intellect of the beholder.

Mateo’s pictorial interventions transcend time to restore masterful forgotten details, artistic atoms… that which Gilles Deleuze described as extrapolating not only dimensions but intensities. It is a giant step in their evolution. Metonymy is also at play in Patricia Mateo’s work on these paintings. The extraction and interpolation of a single element or motif of the remade work make it an icon in its own right, a total representation of the entire painting, artist, or even the movement to which it refers. In this way, a funnel is enough to allude to the entire Extraction of the stone of madness, offering a complete journey through Bosch’s dream; in this way, the white dress of the American mail-order cut-out suffices to evoke the entire rhetoric of commercial art of the mid-1900s.

Patricia’s work is a testament to artistic will and commitment, and confidence in one’s vocation; and is highly worthy of recognition in times such as ours, which are especially difficult for any artist and even more so, if that artist is a woman.

Patricia and Jose Luis met and admired each other’s works, their different techniques, aesthetics, and perspectives. They could have left it there, but instead, they started collaborating. With Fueradcarta they launched an artistic experiment – a laboratory of ideas as they say – made reality. With this initiative they seek to promote the collection of artistic works among the general public via small but carefully collated albums and notebooks that this joint editorial project also sells online, adapting to the times and the economic and spatial possibilities of hundreds of potential art consumers, finally understanding the collector as he or she is today.

Returning to the exponential, they represent two personalities, four hands, and perhaps more than eight different technological and intellectual resources, the amalgam of which leaves room, even in these current times, for daring, research, and innovation.

However, improvisation or in any old way, are very far from this intimate and creative space in which Lopez Moral and Matthew conceive their work, both in form and in substance. It is all underpinned by the core qualities of the two artists, matured over time like a good wine and whose sediments are composed of life experience, love of Art, talent, and knowledge of their profession.

The works of this exhibition serve as a stepping stone on the path to those other worlds, which rather than being in this one, inhabit our minds, our dreams, and our memories. Necessary baggage that leads us to a metaphorical reality, where everything is as it seems, and much more.